CICLO SONORO// FONOTECA NACIONAL // Mayo 16 a Junio 30


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Circuito Electrovisiones, con el apoyo de Fonoteca Nacional,
Fundación Phonos y La Universidad Pompeu Fabra presentan:

JARDIN SONORO // CICLO DE PIEZAS MULTICANALA
PERMANECIA:
Del 16 de mayo al 27 de junio
CICLO I:
Lo indiferenciado, lo masivo, lo múltiple // del 14 de mayo al 29 de mayo
CICLO II:
La materia ostentada // del 30 de mayo al 13 de junio
CICLO III:
Post-relatos y nuevas formas poéticas // del 14 de junio al 30 de junio
CURADURIA: Arturo Moya [Esp]
SEDE: Fonoteca Nacional
HORARIO: De 12:00 a 13:00 y de 17:00 a 19:00 hrs.
ENTRADA LIBRE
Para visitas especiales o escuchas de este ciclo en otros horarios: 41-55-09-50

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Autor: Carlos Gómez (Bogotá, Colombia, 1963). Reside en Barcelona desde 1987.
Título: "Villa de Sapos"
Fecha composición: 2009
Duración: 7:56
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

En el mes de Mayo del 2009, durante un corto viaje a Colombia, hice algunas grabaciones de paisajes sonoros en Villa del Rosario, muy cerca de la frontera con Venezuela. La idea que tenía en mente era la de registrar el sonido de la tierra caliente, nombre que damos, en el trópico, a las zonas en las que nunca hace frío. La pieza fue construida en dos fases: Primera.
Los materiales que finalmente elegí, son grabaciones nocturnas en las cuales los cantos de los sapos ocupan un primer plano. Los materiales fueron procesados mediante filtros pasa banda en diferentes rangos de frecuencia con la intensión de generar mayor cantidad de planos sonoros al ocupar diferentes franjas en el espectro. Segunda fase.
Una vez hecha la construcción de la pieza, sin tener prácticamente cambios dinámicos, utilicé un dispositivo que consiste en un lienzo tensado en un bastidor, en el que hay dispuestos micrófonos de contacto. Este dispositivo, además de sonar al contacto de las manos, alimenta las señales de los diferentes canales de grabación, asignadas a su vez a diferentes altavoces, haciendo que las dinámicas de la pieza dependan de la señal que reciben de los micrófonos, o mejor, del movimiento de las manos sobre el lienzo. La idea es que el plano en el que se mueven las manos sea una representación táctil pequeña del espacio que describe la localización de los altavoces.

Biografía
Carlos Gómez
. Bogotá, Colombia 1.963. Vive en Barcelona desde 1.987. Carlos Gómez es compositor y artista sonoro colombiano, ingeniero de sonido y realizador documental, es además de profesor de arte sonoro y sonido para sistemas multimedia en diversas instituciones de Barcelona. Dirige y coordina los proyectos de la Orquesta del Caos: colectivo de artistas que centra sus actividades en la investigación y difusión del arte sonoro, y la música electrónica y experimental. El festival de arte sonoro Zéppelin y la plataforma y archivo de arte sonoro Sonoscop son ejemplos de las actividades de la Orquesta del Caos. www.sonoscop.net Miembro fundador y profesor de IDAT BCN, Instituto de Diseño, Arte y Tecnología de Barcelona. www.idatbcn.com Desde hace más de 25 años, se dedica a la experimentación sonora y a la composición de música para cine, televisión, teatro y danza. Aunque sus trabajos de composición no se limitan al campo electrónico, es en este ámbito en el que trabaja con más continuidad.

Autor: Arturo Moya Villén. (Madrid, 1966)
Título:"Iubilus"
Fecha composición: 2004-2005
Duración: 11:14
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


Basada en un poema del libro: "Contemplación de la caída" de Juan Barja.
Entre el tiempo infinito y el finito
el espacio de un nombre
innumerable

Voz: Myriam Arnouk
En "Iubilus" el intérprete es reducido a fisicidad, a cuerpo. La obra muestra las irregularidades mínimas, inconscientes, físicas de un vibrato producido por una voz. Este sonido es grabado, y la grabación es repetida hasta que el sonido impregna la memoria, y es transformado cualitativamente por ella, convirtiendo las desigualdades del vibrato en patrones identificables como tales. La obra se configura por tanto en las decisiones de la memoria y en la profundización de la escucha posibilitada por la repetición.




Autor: Jesús Jara
Título:"Sonometría Azul"
Fecha composición: 2011
Duración:9:00
Estado: Estreno absoluto

Comentario y biografía

Espiritual, orgánica y sensual, obra multicanal concebida no necesariamente para oir/escuchar, sino para estar. Se trata de sentir bienestar, hacer que el público encuentre tranquilidad espiritual. Al igual que un jardín no tiene principio ni fin, se basa en una organización caótica, orgánica, como en la naturaleza, como si los sonidos estuviesen creciendo.
El hilo conductor sonoro es el equilibrio producido por las resonancias.
Su concepción esta a medio camino entre el concepto de jardín japonés de Toru Takemitsu, la atmósfera de Noches en los Jardines de España de Manuel de Falla y el tratamiento sonoro de la libre improvisación. Todo ello filtrado por una relectura del movimiento neo-concreto surgido en Brasil en los 50, equiparando el sonido con organismos vivos y colocando al espectador en el centro de la acción creativa.

Jesús Jara http://www.jesusjara.net
Músico idiosincrásico dentro del panorama sonoro actual. Su trabajo se mueve entre el arte sonoro, la libre improvisación y la música electroacústica (mixta y live electronics), trata de eliminar el carácter absoluto de la música para acercarlo a la vida (en su trabajo sonoro neo-concreto muestra la necesidad de percibir el sonido no como un objeto sino casi como parte del cuerpo). Esta noción de la creación sonora propone la experiencia y la interacción del espectador como centro de las preocupaciones estéticas.
Dedica interés a la interpretación de obras mixtas, reflejándose en el CD para tuba y electroacústica de la Serie Phonos/Ars Harmonica, dirigido y realizado gracias a G. Brncic y A. Lewin-Richter en el Estudio de Sonido de la Fundación PHONOS, Instituto Universitario del Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Paralelamente se inicia en la libre improvisación de la mano de W. Matthews tocando con músicos improvisadores como: Carl Ludwig Hübsch, Ken Slaven, Leonel Kaplan, Dario Bernal, Bryan Eunaks, Guilherme Rodrigues, Ernesto Rodrigues, Heddy Boubaker, Nush Werchowska, Pascal Battus. Jesús Jara inicia sus estudios musicales en el R.C.S.M.Madrid, C.N.M.Bourdeaux y C.R.M.Perpignan (Francia), música electrónica en el Gabinete de Música Electroacústica (GME-Cuenca) y estudios de Master "Arte en la Esfera Pública" en la Facultad de Bellas Artes, UCLM, Universidad de Castilla-La Mancha, Cuenca.
Ha presentado su trabajo como intérprete-compositor-improvisador en el "Grupo de Estudios de Música, Semiótica e Interactividad" en la Universidade Estadual Paulista, Sao Paulo (Brasil); Universidad Nacional de Lanús, Buenos Aires (Argentina); Universidad Nacional del Litoral, Santa Fé (Argentina); y en el VII Simposio Nacional de Arte y Nuevas Tecnologías de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina); en el Laboratorio de Informática y Electrónica Musical del Centro para la Difusión de Música Contemporánea, en Madrid (LIEM-CDMC); Universidad Complutense de Madrid; en las Jornadas de Informática y Electrónica Musical" (JIEM-Madrid), en el "Festival de Música Contemporánea de Alicante", "Phonos/Metrònom" (Barcelona), "Festival de Música Nova de Santos", SECS São Paulo, SESI, FILE - Festival Internacional de Linguagem Electrónica (Brasil), Festival Synthesis Bourges - GMEB (Francia), Sonoimagenes - Festival de Arte Acusmático y Multimedial, Buenos Aires (Argentina); Auditorio 400, MNCARS. Madrid, etc.




Título: Kzadzak
Autor: Doénado, el Ur
Fecha de composición: 1994
Duración: 4:17
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


"Kzadzak"
Es un poema Ur que versa sobre el descenso, la katabasis. La traslación al espectro sonoro fue llevada a cabo por Fernando de Izuzquiza en el laboratorio Phonos, compositor que en ocasiones ha colaborado con Doénado.
Doénado, el Ur
Poco sabemos de Doénado. De edad y forma incierta, se ha materializado en muy pocas ocasiones y los que han colaborado con él son incapaces de describirlo en los términos habituales. Ha transmitido conceptos poéticos y musicales a algunas personas (pastores, poetas, bibliotecarios) pero su existencia no ha podido ser constatada por terceras personas.



Autor: Miguel Álvarez-Fernández. (Madrid, 1979)
Título:"Gnosis"
Fecha composición: 2001
Duración: 20:00
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


"Gnosis", diez años después…
Han pasado diez años desde la terminación del proyecto "Gnosis" (2001). Eran los tiempos de mis estudios de Composición Electroacústica en el Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid), donde la obra se presentó por primera vez. "Gnosis" no volvería a sonar —en su versión completa, hexafónica— hasta 2005 en el Estudio de Música Electrónica de la Universidad Técnica de Berlín, en el contexto de una de las sesiones de la serie "Elektroakustische Musik hören" organizadas por Folkmar Hein, legendario director del estudio, quien me había invitado a trabajar allí como compositor e investigador invitado.
Ya en 2005 mi trabajo se había distanciado mucho estéticamente de los principios en los que se basa "Gnosis", un trabajo influido por algunas de mis experiencias en los comienzos de este sigo (como el paso por los cursos de Darmstadt, en 2000, o, sobre todo, el trabajo con Stockhausen en 2001). Pero cuando Arturo Moya —comisario del ciclo donde ahora se volverá a presentar "Gnosis" — se dirigió a mí y me describió su propuesta, distintas facetas de este viejo trabajo reemergieron, alumbrando algunas conexiones con mis planteamientos creativos actuales que habían permanecido ocultas, al menos para mí, hasta ahora.
"Gnosis" representó la primera articulación —en una pieza acabada y presentable fuera del contexto académico— de lo que he dado en llamar "polifonía de obras". No se trata, en realidad, de una composición hexafónica, para seis canales de audio, sino que en realidad "Gnosis" se presenta en forma de tres canales estéreo paralelos, tres obras hasta cierto punto independientes (con sus respectivos títulos: Glissandi, Némesis, Oscilaciones), pero creadas para ser escuchadas simultáneamente. Aunque en su día esta aproximación compositiva a la superposición temporal de discursos nació a través de una especulación eminentemente formal, es curioso que hoy mis trabajos continúen presentando planteamientos similares, si bien desde un enfoque mucho más próximo al simultaneísmo de corte dadaísta (al estilo, podríamos decir, "Cabaret Voltaire"), en cuyo conocimiento profundicé en los años posteriores a la composición de "Gnosis".
La obra también se me presenta, hoy, muy apartada de las tendencias próximas a la "nueva complejidad" tan de moda en esos primeros momentos del siglo en tribunas como Darmstadt o, directamente, conservatorios como aquel donde estudiaba. No sería hasta años después, tras conocer otros planteamientos estéticos (más bien reprimidos en los planes docentes académicos) cuando tendría ocasión de aproximarme a otras sensibilidades más próximas a un cierto minimalismo —en el sentido más conceptual y abierto del término—. Sin embargo, escuchando "Gnosis", algo muy parecido a todo ello puede percibirse sin dificultad. Los reenvíos entre pasado, presente y futuro —si es que la música, en realidad, no es otra cosa— se manifiestan, en fin, también hoy, diez años después, a través de la escucha de "Gnosis". Esperemos que esa escucha pueda continuar proliferando en sus significaciones en el futuro, y que este ejercicio inmersivo de "polifonía de obras" nos ayude a mantener nuestros horizontes perceptivos suficientemente despejados para ello.

Miguel Álvarez-Fernández (Madrid, 1979). Artista sonoro, musicólogo y comisario de proyectos de arte sonoro. Estudios de composición en el Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial, ampliados en Alemania (Darmstadt, Kürten, Berlín) y en diversos centros españoles (LIEM/CDMC, Aula de Música de Alcalá de Henares, GME de Cuenca...). Licenciado en Derecho por la UCM. Entre 2002 y 2005 disfrutó de una beca de creación concedida por el Ayuntamiento de Madrid en la Residencia de Estudiantes. En 2004-2005 comisarió, junto con María Bella, el proyecto de arte sonoro público "Itinerarios del sonido" (www.itinerariosdelsonido.org).
Forma parte, junto a Asia Piascik y Stefan Kersten, de DissoNoiSex (www.dissonoisex.org), un proyecto artístico dedicado a explorar las relaciones entre sonido y sexualidad, cuyos trabajos se han presentado en España, Alemania, Dinamarca, Italia y Estados Unidos. Ha impartido clases en la Universidad Técnica de Berlín, en la Universidad Europea de Madrid y en la Universidad de Oviedo, en cuyo departamento de Historia del Arte y Musicología actualmente finaliza su tesis doctoral. También ha pronunciado conferencias en la Universidad Complutense, la Autónoma de Madrid, la Universidad Carlos III, la Universidad de Sevilla, la Universidad Pompeu Fabra, la Universitat de les Illes Balears, la Universidad de Colonia (Alemania), la Universidad de Belgrado (Serbia), la Universidad de Copenhague (Dinamarca) y la Universidad de Vilna (Lituania), en centros de producción artística como La Casa Encendida, el LIEM/CDMC, Medialab-Prado, la Residencia de Estudiantes, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), KREA Expresión Contemporánea (Vitoria), Arteleku (San Sebastián), el Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria), el Centro de las Artes de Sevilla y el Euro Balkan Institute (Skopje y Ohrid, República de Macedonia), y en muestras o festivales como Contenedores (Sevilla), Experimentaclub, In-Sonora (Madrid), PING! (Mallorca), Sound Res (Casarano, Italia), Mucho Más Mayo (Cartagena) o Interzone (Novi Sad, Serbia). Ha colaborado en publicaciones como ArteContexto, Audioclásica, Doce Notas Preliminares, Espacio Sonoro, Hz Journal, Pasajes de Arquitectura y Crítica, Revista de Musicología o Sonic Ideas.
En 2011 recibió, de manos de Llorenç Barber, el IV "Premio Cura Castillejo al propondre mes foragitat", después de que este galardón hubiese sido concedido, en las anteriores ediciones, a Francisco López, a Fátima Miranda y a Lugán, respectivamente.
Desde 2008 dirige y presenta en Radio Clásica (RNE) el programa semanal Ars Sonora (http://www.arssonora.es).


Autor: Andrés Lewin-Richter (Miranda de Ebro, 1937)
Título: "99 golpes"
Fecha composición: 1989
Duración: 9:40
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


A petición del bailarín y coreógrafo Cesc Gelabert, con quien he colaborado en muchas ocasiones, y para su estreno en Ciudad de México, me encargó que buscaraentre mis archivos "golpes" y si necesario creara unos nuevos, todos distintos, con el fin de crear un solo. Como siempre poco tiempo dispuse para reunir los "golpes", hice un orden y el coreógrafo decidió el definitivo y su intensidad relativa. El resultado de la colaboración es la obra que escuchan.

Andrés Lewin-Richter (Miranda de Ebro, 1937). Fue secretario de Música Abierta, entre 1960 y 1962. Cursó hasta el doctorado la carrera de ingeniería industrial en la Universidad Politécnica de Cataluña (Universitat Politècnica de Catalunya), de Barcelona (España), ciudad en la que reside actualmente.
Consiguió una beca Fulbright que le permitió completar sus estudios en la Universidad de Columbia (Columbia University), en Nueva York (Estados Unidos de América) en donde estudió y trabajó entre 1962 y 1965, siendo asistente de Vladimir Ussachevsky, Mario Davidovsky y de Edgar Varèse en el Columbia Princeton Electronic Music Center, en la que fue profesor auxiliar y creó sus primeras composiciones electrónicas.
Simultaneó estas actividades con la de ingeniero de sonido del Alwin Nikolais Dance Company de Nueva York. En 1966 promovió la creación del Estudio de Música Electrónica del Conservatorio de Música de Ciudad de México.
En 1968 fundó en Estudio de Música Electrónica de Barcelona y fue director ejecutivo del Conjunt Català de Música Contemporània, entre 1968 y 1973. En 1974 fundó con Josep Maria Mestres Quadreny el Estudio de Música Electroacústica Phonos -que fue inicialmente instalado en su propia casa-, y es desde 1984 la Fundación Phonos. Lewin-Richter ha sido y es, alternativamente, su secretario y vicepresidente y su director ejecutivo.
Ha sido secretario y vicepresidente de la Asociación Catalana de Compositores (Associació Catalana de Compositors) durante los periodos 1976-1991 y 2000-2004 y ha sido director ejecutivo del Conjunt Catalá de Música Contemporánia, Desde el año 2003 es profesor de História de la Música Electroacústica en la Universidad Pompeu Fabra (Universitat Pompeu Fabra) (UPF) y en la Escuela Superior de Música de Cataluña (Escola Superior de Música de Catalunya) (ESMuC), ambas de Barcelona.
Es un compositor especializado, en mayor medida, en la música electroacústica, habiendo compuesto obras instrumentales con cinta y música para ballet, teatro, cine y vídeo. Lewin-Richter ha creado composiciones de música electroacústica en los estudios de música electrónica de la Universidad de Columbia (Nueva York), Fundación Phonos (Barcelona), Alea y CDMC (Madrid), GME (Cuenca), EMS (Estocolmo), Escuela Superior de Música (Hochschule für Musik in Basel) de Basilea (Suiza) y la Universidad de Aveiro (Portugal).




Autor: Arturo Moya Villén. (Madrid, 1966)
Título:"Obra a punto de ser engullida por todo lo demás"
Fecha composición: 2007
Duración: 10:00
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

La obra se sitúa en el límite de ser obra, de ser percibida como una estructura sonora organizada temporalmente, en un lugar intermedio entre el campo general de estímulos acústicos y las señales con intención comunicativa. Golpes y rozamientos repetidos, más utensilios que instrumentos, grabados sin sincronía impuesta y en secuencias largas, libres de manipulación compositiva, configuran un paradójico paisaje sonoro, saturado, inhabitable, dominado por la varietas de los encuentros casuales entre los materiales. En esta obra de adelgazamiento de la figura del compositor, la operación se centra en encontrar grados de presencia y persistencia que abran al máximo las escuchas transversales y equilibren el diferente peso de los sonidos en la memoria.


Autor: Miguel Copón . (Plasencia, 1965)
Título:"Nietzsche"
Fecha composición: 2011
Duración: 15:00
Estado: Estreno absoluto

Comentario y biografía

Goethe definió en 1829 el cuarteto de cuerdas como "una conversación para cuatro personas inteligentes". Nietzsche propone una lógica del delirio en el que las nociones de dependencia, independencia e interdependencia de las ocho lineas sonoroas que la conforman se proponen en su borde: de la polifonía a la heterofonía tendiendo a la afonía. Electroacústica de fuente escondida, crea ocho líneas de delirio literal: al borde del surco. No entrando en el desorden azaroso bordean chirriando cualquier concepto clasico, afinación, altura, variación. Formulan un anticuarteto militante en el mismo modo en que pretenden defraudar cualquier espera que las líneas de desarrollo propician: gesto anticlásico, espera defraudada o, en palabras de Heraclito,"solo quien espera puede encontrar lo inesperado".

Miguel Copón (Plasencia 1965). Investigador plástico. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Doctor en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha sido Profesor de Estética y Teoría de las Artes y Director de Comunicación en la Universidad Autónoma de Madrid, director de Proyectos de la Fundación Luis Seoane de la Coruña, comisario adjunto de la última Bienal de Venecia, productor y comisario de Nacho Criado, Los Torreznos, entre otros artistas, director de Radio Autónoma y director del programa de radio "El paso del Noroeste", entre otros cargos. Como crítico es Premio Espais a la critica d'art y ha colaborado con medios como Diario 16, Abc, Creación, Sileno, Lápiz, entre otros.
Como ensayista ha publicado los siguientes libros o capítulos de libros: "La generación de la democracia: nuevo pensamiento filosófico en España", con Alberto Ruiz de Samaniego. Tecnos: Alianza Editorial; "El arte es helarte". En: Pensar, Habitar, Construir. Diputación Provincial de Pontevedra; "Conocimiento como naturaleza muerta". En: Las lecciones del Dibujo. Cátedra; "Justo antes del olvido". En: Nacho Criado, la idea y su puesta en escena. Ed. Juan Carlos Marset. La Sibila, "Creación de la nada". En: La estética del nihilismo. coord. Fernando Castro. Centro Gallego de Arte Contemporáneo; "Paul Klee, la montaña de los dioses". En: Las estrategias del dibujo en el arte contemporáneo. Ed. J.J. Gómez Molina. Cátedra; "Quizá la distancia sea duda". En: Las estrategias del dibujo en el arte contemporáneo. Ed. J.J. Gómez Molina. Cátedra; "Sobre la posición de los signos". En: En torno a Velázquez. Ed. Miguel Ángel Ramos. Comunidad de Madrid; "Realeza irreal". En: En torno a Velázquez. Ed. Miguel Ángel Ramos. Comunidad de Madrid, "Sobre la posición del artista". En: El arte en una época de transición. Ed. José Jiménez. UIMP-Diputación de Huesca; "Fracaso, sin más". En: Estéticas del arte contemporáneo. Ed. Domingo Hernández Sánchez. Ed. Universidad de Salamanca; "El dibujo como máquina conceptual". En: Máquinas y Herramientas del dibujo. Ed. J.J. Gómez Molina. Cátedra; Leonardo Da Vinci. Cuaderno de Notas. (prólogo). Clásicos Selección; "Políticas del signo. El arte en la ciudad". En: Las políticas del Arte. Ed. Alberto Ruiz de Samaniego; "32 fragmentos sobre imagen sonora y posmodernidad". En: La inflexión posmoderna: los márgenes de la modernidad. Akal; "Las palabras del dibujo: sobre el pensar gráfico". En: Los nombres del dibujo. Cátedra; "Tiempo y conflicto. Estética de los dibujos animados". En: Dibujo y profesión. La representación de la Representación. Ed. Juan José Gómez Molina. Cátedra; "Presentir". En Raíces y Alas. Sobre poemas de Juan Ramón Jiménez. Ed Almíbar; "Vaho". En Fidelidad a una obsesión, la obra fotográfica de Andrei Tarkovski. Ed. Maia; "El amargo olor del fin" En Estéticas de la animación, Ed MAIA Ediciones. Como artista plástico ha expuesto en: Galería Beresith, Toledo (individual), Galeria Delpasaje, Valladolid (Individual), Galería Ad-Hoc, Vigo (Individual), Galería Buades, Madrid (Individual), Galería 57, Madrid, Galería Metta, Madrid (individual), entre otras y su obra figura en: MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo Casa de los Caballos, Cáceres, Ateneo Albacetense, Colección Argentaria, Colección Prosegur, Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.




Autor:Gabriel Brncic-Isaza (Santiago de Chile, 1942). Reside en Barcelona desde 1974
Título: "Des être" (a Oscar Masotta)
Fecha composición: 1986
Duración:12:32
Estado: Estreno en México

Comentario

Esta obra está dedicada a la memoria de Oscar Massotta, estudioso del psicoanálisis y de la semiología, gran amigo en los tiempos más duros del exilio.
Se trata de una música que recuerda el ambiente de los primeros montajes del teatro imaginario que, por los años 60, Massotta creó en Buenos Aires y en los cuales colaboré produciendo enormes cantidades de sonido.
Actualmente, una viola y un ordenador, en una polifonía a ocho voces, han constituido esta ausencia del ser, que habla constantemente de su presencia.




Autor:Gabriel Brncic-Isaza ( (Santiago de Chile, 1942). Reside en Barcelona desde 1974
Título: "Adagio-Scherzo" (a Víctor Jara)
Fecha composición: 1991
Duración:6:48
Estado: Estreno en México

Comentario

Los dos movimientos están siendo al mismo tiempo: "lento y previsible" el adagio y tenazmente activo el scherzo. Las cualidades se invaden y estoy en un punto llamado un canto truncado (Víctor. An unfinished song, Joan Jara, 1983).
Es una representación mediante el sonido, grabada en un día al encontrar unas cintas en mi camino.
(Efectivamente. Algún día en que los recuerdos luminosos de otras épocas confluyen con un afán de síntesis. El momento es oportuno y los materiales parecen haber sido acuñados durante décadas.
La dialéctica del arranque místico y la conciencia del realizador reflexivo: un retrato de nuestro amigo lejano, suspendido por la muerte que le dio un compatriota aún impune).




Autor:Gabriel Brncic-Isaza ( (Santiago de Chile, 1942). Reside en Barcelona desde 1974
Título: "Dos esbozos para antiguos instrumentos electrónicos"
Fecha composición: 1995
Duración:14:46
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

1. Marcha por la calle de Alfonso VIII de Cuenca en submarino azul y con revuelo de ángeles 2. Líricas del Filtro Mágico o Magia del Filtro Lírico En los días que precedieron a la Semana Santa de 1994, llegar a la Plaza Mayor de Cuenca, por la entrada noble de la calle de Alfonso VIII, suponía, para un músico concreto atravesar por una Sinfonía y de paso saludar al Señor Alcalde. Gran precisión, ingenio, delicadeza y fuerza, y entrega obstinada tenían los artesanos, los congregados de varios oficios simultáneos, que durante ocho y más horas al día producían la espectacular transformación urbana. Al mismo tiempo, con variados e insólitos instrumentos: sus herramientas, sus máquinas, sus voces de toda dimensión y... con el sonido de tus zapatos en la arcilla o en la piedra o en el metal o en la madera, una enorme superproducción sonora de infinitos planos estaba asegurada. El transeúnte, que como yo, pasaba lentamente desde el umbral lejano del sonido -La Posada de San José- hasta el epicentro, para luego abandonarlo muy gradualmente en dirección al Conservatorio, cada día, estaba en condiciones de inmersión en el elemento musical; en la masa artística. (A esto llamo el paso en submarino azul, que no amarillo: aquel cielo visto en el instante de la audición del sonido similar al sonar, intermitente, lejano y con forma de gota; un mundo subacuático). Esta obra se realizó programando el Stradivarius del GME, el Synthi 100 de Electronic Music Studios, instrumento maravilloso que tiene Cuenca desde 1983 para el uso de todos los músicos de España -de allí lo de antiguos instrumentos electrónicos-. Un circuito complejo o programación del Synthi 100 dio nacimiento a las dos secciones de la música. La primera sección, taladros, golpes ritmados, deslizamientos... y ráfagas- llamadas también revuelo de ángeles, rápidas evocaciones musicales provenientes de otros focos, en las que interviene Julio Sanz con los sintetizadores digitales- están confundidos en una textura alternante; se trata evidentemente de música desde una performance. Cómo que viene a ser la recreación electrónica de la más auténtica performance: el trabajo de muchos expertos realizando las obras en la calle de Alfonso VIII. Un friso o un mural sonoro cuyo microcosmos puede darnos sorpresas durante mucho tiempo. Dedico esta primera parte a la gente de teatro de Cuenca, actores, directores y técnicos, que en su afán verdadero de renovación y de interacción con la materia última de las artes, siempre ha comprendido estas músicas. La Voz, la Luz y las trazas sonoras del movimiento escénico, reúnen los aspectos esenciales de la nueva música. A ellos pues, y con gran cariño, esta Marcha por la calle de Alfonso VIII. (Consciente, además, de todas y cada una de las colaboraciones, tanto con el GME como con el Seminario Internacional sobre Música y Ordenadores de Cuenca; vaya también mi agradecimiento). Líricas del Filtro Mágico, la segunda parte, y como mensaje críptico medieval, está dedicada a mi Dama. Supongamos un poco de la música de las esferas o lo que Ramón Barce llama la sonorización universal. Esa música, que siendo tan continua y lejana, -aunque esta no sea la propia definición mística de la música de las esferas- dejamos de oír, y que hemos de hacer un ejercicio espiritual muy profundo para aquilatar su sentido y volver a reconocer. Ocho voces, como ocho planetas que giran y se visualizan en conjunciones inverosímiles, están diseñadas por el sonido que generan los filtros. Siempre bajo el control del mismo programa inicial. Julio Sanz, en un momento en que mi imaginación estaba desbordada por la invención de estos filtros líricos, intentó, con la maestría que ya posee, una configuración; una rotación de las esferas. Luego vinieron una y otra grabación en un trabajo inagotable. Rotación y translación. Ciclo, acercamiento y lejanía. Líricas del Filtro Mágico.

Gabriel Brncic-Isaza (Santiago de Chile, 1942), se formó en su país natal, con Gustavo Becerra-Schmidt en la Universidad de Chile y en Argentina, en el Instituto Di Tella de Buenos Aires, con Francisco Kröpfl, Gerardo Gandini y Alberto Ginastera, allí también conoció Iannis Xenakis, a John Cage y a Luigi Nono de quienes ha recibido un importante estímulo. Desde fines de 1974 reside en España y ha tomado parte destacada en las diversas iniciativas para el desarrollo de la música actual colaborando con compositores, intérpretes e investigadores. En la década de los 80 Gabriel Brnčić, Eduardo Polonio y Claudio Zulian crean Multimúsica espacio de difusión musical de proyección europea.
En Barcelona es Director artístico de la Fundación Phonos, profesor de teoría de la composición en el Master en Artes Digitales y en el curso de Arte y Tecnología de la Universidad Pompeu Fabra y de composición y análisis en la Escuela Superior de Música de Cataluña. El año 2005 ha creado el Post-grado en Composición Musical y Tecnologías Contemporáneas –en la Universidad Pompeu Fabra– contando con la colaboración de distinguidos compositores y especialistas en tecnología musical.
Su obra instrumental/electroacústica ha recibido premios y distinciones. Es académico correspondiente de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile. Su Polifonía de Barcelona fue estrenada por el Group 2E2M en la International Computer Music Conference (ICMC 84) de París.
La colección Cultures Électroniques, incluye en 2003, Chile fértil provincia..., obra con la cual Gabriel Brnčić recibió el premio de Bourges 1984.
En 2002 se ha estrenado en París, en la sala Olivier Messiaen de Radio France, su obra Ronde-Bosse, para viola, arpa, sonidos grabados e interacción en tiempo real del sonido instrumental, una obra encargada por el Groupe de Recherches Musicales, GRM.
En una serie de conciertos realizados en Berlín en 2008 ha estrenado su cuarteto de cuerdas Cuarteto de 1989, La cueca larga, para grupo instrumental, electrónica y proyecciones y Des être.
Gabriel Brnčić describe algunos aspectos que pueden definir al compositor del siglo XXI: la investigación sobre orientaciones estéticas que reúnen en un solo trazo el componente científico con la creación artística; el uso del sonido generado por los altavoces –la cultura del altavoz–; la informática, que conduce la sintaxis y revela la materia sonora –un recuerdo de la música–, como procedimiento tácito de la técnica musical.
La música, como disciplina ancestralmente sistemática, –ligada al cálculo estricto– y como expresión sensible, pariente del lenguaje, un cálculo no interpretado.




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Autor: Mercè Capdevila . (Barcelona, 1946)
Título:"A Chillida"
Fecha composición: 1997
Duración: 16:12
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

Obra primitivista, gestual, cargada de erotismo, en la cual la búsqueda y el tratamiento del cuerpo sonoro sigue el pulso espasmódico del deseo. El clarinete modulado electrónicamente en tiempo real es en este caso el instrumento que sirve aquí de soporte a Mercé Capdevila para plantear semejante juego exploratorio en el que nos transmite una sensualidad densa y embriagadora. Capdevila va cincelando minuciosamente sus objetos, recorriendo reiteradamente sus contornos efímeros, insistentemente renovados. Los acordes van desplegándose así parsimoniosamente, en secuencias que desgranan sus diversos perfiles armónicos. Trémolos, glisandos y reverberaciones modulan su variable densidad e incisivas células rítmico-melódicas configuran su espacio propio. La pulsación -regular y obstinada-, rompe de este modo la linealidad temporal del discurso, haciendo máxima la plasticidad del conjunto y dejando la dimensión formal, por virtud de esa ficticia suspensión, en las manos del oyente. Habrá de ser éste quien proyecte entonces activamente su percepción, amalgamando y cargando de sentido subjetivo la sucesión inarticulada de los eventos sonoros. Tal será la argucia compositiva con la que Mercè Capdevila acabará por seducirnos e implicarnos en su voluptuosa aventura.
(Extraído del texto de: Arturo Rodríguez Morató)

Mercè Capdevila (Barcelona, 1946). Comenzó sus estudios musicales en la Academia Marshall y luego en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona. Simultáneamente estudió Artes Plásticas en la escuela Municipal 'Massana' (Barcelona) y Kunsthand Werk Schule de Pforzheim (Alemania) con el profesor Edward Mosny Alemania). Posteriormente trabajó la música electroacústica con el profesor Gabriel Brncic en el Laboratorio Phonos de Barcelona y asistió a cursos de composición con Luigi Nono, JM Mestres-Quadreny, Corian Aharionan, Carmelo Bernaola y Luis de Pablo.
Sus obras han sido interpretadas, en Centros Musicales de Europa, Canadá, y América. Ha recibido varios encargos de 'la Asociación Catalana de Compositores' (Barcelona) y del CDMC, Ministerio de Cultura (Madrid). Trabajó durante un año (1993-94) en los estudios de Aaron Copland School of Music de la Universidad de New York en el Queens College como compositora invitada.
2 CDs monográficos de sus obras, y otras obras grabadas en CDs colectivos. Obras en Radio Nacional, Catalunya Música, Radio Francia, Kolomna's Radio Station, Moscow's Radio, St Petersburg's radio station Radio Nieva-3. Es miembro de la Associació Catalana de Compositores y miembro fundador de la Asociación de Música Electroacústica de España.
Actualmente se interesa y trabaja en montajes multidisciplinarios. Presentó conjuntamente con el compositor Oriol Graus, una serie de conciertos-espectáculo 'Concert de Música Electroacústica i Raig Laser' en el Planetarium Barcelona, dentro del Festival GREC-85. Participa en el espectáculo 'Breches il-luminacions' murales de luz y sonido, participando con el pintor Eloy Puig (Barcelona- (86). En 'IV Mostra de Música Catalana Contemporánea' presentó obra electroacústica y Rayos Laser 'De un castillo a otro' en el Palau Macaya (89) Barcelona. En 'V Muestra de Música Catalana Contemparánea' presentó 'Mercuri' obra para voz, electrónica y proyección lumínica con la participación de la pintora Gabriela Vargas y la contralto Mariona Castelar (91) Barcelona. En el XV Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante presenta en El Palmeral Concierto Espectáculo Multimedia 'Quadrar el Cercle' con la participación del Grupo Instrumental de Andorra dirigido por Jean Pierre Dupuy, del pintor y poeta Narcís Comadira y la actriz Gloria Rognoni. Alicante (99) Cartografies del Desig. Con la participación de Ester Xargay (vídeo) y la actriz Araceli Bruch. Conservatorio de Música de Barcelona (2001).-FORUM ' Viure i conviure ' con la participación de Ester Xargay (vídeo) 'Milantropía' Barcelona (2004).-Mostra d'art de dones FEM ART. Bonnemaison. Barcelona (2006). Mini Cicle 'Llocs de Pas ' al Auditori MACBA, con los vídeoartistas Ester Xargay y Adolf Nuñez y el poeta Carles Hac Mor. Barcelona (2006) 'Concert monogràfic' con la participación del actor Javi Palma y dirección escenográfica de Eva Hibernia. Sala Beckett. Barcelona (2006).'Trivalencia' Vídeo Art en València con los poetas Ester Xargay y Carles Hac Mor. València (2009)




Autor: Adolfo Núñez (Madrid, 1954)
Título:" Un poème sonore"
Fecha composición: 2009
Duración: 15:55
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


Encargo del IMEB (Bourges), la composición fue realizada principalmente en el estudio Circe en Julio de 2008 y después fue terminada en el LIEM (Madrid) entre Diciembre-08 y Abril-09. La obra se inspira en el artista Man Ray. Su habilidad para convertir su artesanía en obras de arte mientras juega con el material. En especial admiro sus películas mudas de los años 1920 que combinan materiales figurativos junto con imágenes abstractas tales como granulaciones, distorsiones de la realidad, movimientos de luces y sombras, etc. Pienso que en muchos casos sus imágenes son procesamientos de filmaciones de la realidad de una manera muy similar a la que se han utilizado en la música electroacústica y que fueron desarrolladas veinte años después en los trabajos pioneros en Radio France en los años 1940 y 1950. Los objetos sonoros de la "música concreta" procedentes de fuentes reconocibles tienen su correspondiente paralelo en los objetos visuales filmados de la realidad, al igual que los "objetos musicales" en los que ya no reconocemos la fuente lo tienen con las imágenes distorsionadas en las que difícilmente se reconoce el objeto original filmado. La forma en las películas de Man Ray es equivalente a la escritura automática, el conocido procedimiento método del surrealismo, creo que tiene bastante que ver, al menos en el resultado, con las piezas pioneras de la música concreta de Schaeffer-Henry.
El formato de esta obra es 5.1 pero permite también cierta libertad para la interpretación durante su difusión. El autor está trabajando también en una versión como banda sonora de una película muda de dicho gran artista.

Adolfo Núñez (Madrid, 1954). Posee los títulos superiores de Composición, Guitarra e Ingeniería Industrial. Estudió con los compositores Guerrero, Bernaola, G. Abril, Alís, Ferneyhough y de Pablo; así como Música por Ordenador en el CCRMA (Stanford, EEUU) con J.Chowning y L.Smith, becado por el programa Fulbright. Dirige el laboratorio LIEM-CDMC (Madrid). Su obra, instrumental, electroacústica y multimedia (en colaboración con Carlos Urbina y otros artistas plásticos) ha sido premiada en los concursos de Polifonía Juvenil (Cuenca), Gaudeamus (Holanda), Paul & Hanna (Stanford-EEUU), Bourges (Francia), Musica Nova (R. Checa), Neuen Akademie Braunschweig (Alemania), SGAE, etc. Ha sido presentada en: SIMC (Copenhague), Synthèse (Bourges), Futura98 (Lyon), SME (Brasilia), Vidarte (México), Concierto monográfico en las JIEM (CDMC-Madrid), Multiphonies GRM-Radio France, Primavera en la Habana, Transiti (Roma), Auditorio Nacional (Madrid), Ai-Maako (Santiago de Chile), etc. Ha recibido encargos del Círculo de Bellas Artes (Madrid), Orquesta Nacional de España, IMEB (Bourges), RNE (Ars Sonora), Daniel Kientzy, Sax Ensemble, F. de Músicas Contemporáneas de Barcelona, Musica/Realtá (Milán), Universidades de Navarra y Málaga, GRM (París), Instituto Valenciano de la Música, Clásicos en Verano, Plural Ensemble, etc. Discos principales: Ana Vega Toscano (Tecnosaga) obra para piano y "Anira" (Hyades Arts) música por ordenador. Profesor Asociado de la Universidad Autónoma de Madrid, también imparte regularmente cursos y escribe en diversas publicaciones sobre temas de ciencia y nuevas tecnologías para la música. Es autor del libro "Informática y Electrónica Musical" (Ed. Paraninfo).


Autor: Adolfo Núñez (Madrid, 1954)
Título:"Quimera en danza"
Fecha composición: 2002-2006
Duración: 12:45
Estado: Estrenada en México

Comentario y biografía


"Quimera en danza" es una obra para ocho canales pensada para ser difundida en el Acousmonium (GRM, París). La mayor atención fue puesta en el tratamiento del espacio, pero más que en el sentido de movimiento,, la idea inicial fue la de generar diversas masas sonoras que invadan más o menos el espacio en que está sumergido el oyente. La obra puede escucharse tanto en versión "plana" con los 8 altavoces (o grupos de estos) rodeando circularmente al oyente o en versión "tridimensional" en la que dichos altavoces estarían en los vértices de un espacio cúbico ideal en la sala de conciertos. La pieza permite e invita al intérprete para que añada matices adaptados al momento del concierto.
Existe un hilo conductor marcado por la transición entre la ausencia de sonidos con altura al comienzo de la obra, para pasar a una parte central en que hay utilización evidente de sonidos coloreados por la altura, para terminar combinando ambos tipos de sonidos. Otros recursos en juego, aunque secundarios, son la utilización muy leve del retardo y la transposición, como medio para conseguir movimientos en el interior de la masa sonora; y la inclusión en varias ocasiones del registro muy agudo casi inaudible para descansar y preparar la atención.
La obra, encargo del INA-GRM fue realizada en los estudios de dicha institución, sobre todo mediante las "GRM-Tools", en Septiembre de 1998 y de 2002, y terminada en el LIEM-CDMC (Madrid) entre 2003 y 2006. Está dedicada al legado de Pierre Shaeffer y a todos los pioneros del Estudio de Radio France. Fue estrenada en la Maison de Radio (París) en Mayo 2006.

Adolfo Núñez (Madrid, 1954). Posee los títulos superiores de Composición, Guitarra e Ingeniería Industrial. Estudió con los compositores Guerrero, Bernaola, G. Abril, Alís, Ferneyhough y de Pablo; así como Música por Ordenador en el CCRMA (Stanford, EEUU) con J.Chowning y L.Smith, becado por el programa Fulbright. Dirige el laboratorio LIEM-CDMC (Madrid). Su obra, instrumental, electroacústica y multimedia (en colaboración con Carlos Urbina y otros artistas plásticos) ha sido premiada en los concursos de Polifonía Juvenil (Cuenca), Gaudeamus (Holanda), Paul & Hanna (Stanford-EEUU), Bourges (Francia), Musica Nova (R. Checa), Neuen Akademie Braunschweig (Alemania), SGAE, etc. Ha sido presentada en: SIMC (Copenhague), Synthèse (Bourges), Futura98 (Lyon), SME (Brasilia), Vidarte (México), Concierto monográfico en las JIEM (CDMC-Madrid), Multiphonies GRM-Radio France, Primavera en la Habana, Transiti (Roma), Auditorio Nacional (Madrid), Ai-Maako (Santiago de Chile), etc. Ha recibido encargos del Círculo de Bellas Artes (Madrid), Orquesta Nacional de España, IMEB (Bourges), RNE (Ars Sonora), Daniel Kientzy, Sax Ensemble, F. de Músicas Contemporáneas de Barcelona, Musica/Realtá (Milán), Universidades de Navarra y Málaga, GRM (París), Instituto Valenciano de la Música, Clásicos en Verano, Plural Ensemble, etc. Discos principales: Ana Vega Toscano (Tecnosaga) obra para piano y "Anira" (Hyades Arts) música por ordenador. Profesor Asociado de la Universidad Autónoma de Madrid, también imparte regularmente cursos y escribe en diversas publicaciones sobre temas de ciencia y nuevas tecnologías para la música. Es autor del libro "Informática y Electrónica Musical" (Ed. Paraninfo).


Autor: Zuriñe F. Gerenabarrena (Vitoria-Gasteiz 1965)
Título: "Deikun" (con la ayuda del Gobierno Vasco Departamento de Cultura)
Fecha composición: 2008
Duración: 14:30
Estado: Estreno en México


Comentario y biografía


"Deikun" fue estrenada dentro del Festival SINKRO el 26-II-2008 en el Hall del Conservatorio Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz. La obra en dicho estreno excepcionalmente, fue dividida en dos partes : DEIKUN I, DEIKUN II.
DEIKUN I con duración: 7'38", parte de las regiones mas agudas del espectro, e introduce al oyente en la escucha en el interior del espacio, de manera paulatina. La aparición progresiva de las diferentes capas de sonido, viene acompañada por el descenso del total sonoro desde el nivel mas alto del espacio hasta el nivel bajo, donde se encuentra el espectador .
Esa direccionalidad tanto horizontal como vertical, desea generar una posición de toma de conciencia en referencia a la escucha por parte del espectador, abarcando el espacio total sonoro y a su vez recibiendo el sonido de la campana, desestructurado y pulverizado, casi irreconocible, a modo de introducción y progreso en su dinámica, presencia y actividad desde en referencia a la relación que se refleja entre el sonido-oyente-espacio temporal-arquitectónico. DEIKUN II con duración 6'50': Arranca con un sonoro toque de campana por todos los altavoces y presentando los diferentes trabajos con la resonancia. Aparecen los movimientos de ráfagas, de ziz-zag entre los altavoces, el tejido sonoro puntillista ha desaparecido, son sonido mas amplios y de mayor volumen, creando un contrapunto de sonoridades. Las llamadas de campana aparecen aisladas como sonidos centelleantes, se utiliza la envolvente de las campanas como "mar de sonidos", el sonido propio de la campana se hace mas reconocible, la superposición como textura de la diversidad, se apela a la ensoñación a otras realidades.
La obra está pensada para ser proyectada sonoramente en un amplio espacio, con la intención de recubrirlo en su totalidad. La idea base tanto por el material como por el aspecto arquitectónico hace referencia al objeto campana; por ello la disposición de los altavoces configurando el esqueleto de una imaginaria campana.

Zuriñe F Gerenabarrena (Vitoria-Gasteiz 1965). Estudia composición con Carmelo Bernaola en el Conservatorio "Jesús Guridi" de Vitoria siendo este encuentro determinante y amplía sus estudios con Franco Donatoni en la "Scuola Cívica" de Milan. Acude a diversos seminarios: Darmstadt, LIEM, IRCAM, iMAL... Compositora versátil, cuenta con obras que van desde encargos para solista, orquesta sinfónica, teatro, danza, animación, orquestaciones de música de cine, y otros trabajos basados en la generación y manipulación con medios electrónicos y de técnica mixta, dando lugar a obras de diferentes formatos, como teatro musical, performances o instalaciones sonoras y proyectos multidisciplinares. Ha estado presente como autora y realizadora en diversos foros internacionales como: Musikaste, Festival Bernaola y Sinkro (Vitoria-Gasteiz), Quincena Musical (San Sebastián), ENSEMS (Valencia), Inauguración del Museo Guggenheim (Bilbao),"Ellas crean" LIEM ,Auditorio Nacional y Auditorio 400-Centro Reina Sofía (Madrid), Fundación Juan March, XX Edición Festival Madrid en Danza, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Biennale dei Giovani Artisti dell'Europa, Academia de España (Roma),Computer and Electronic Music Days (París), Kleiner Konzertsaal (Munich), Festival Shyntése (Bourges), Academia Sibelius (Finlandia), Teatro Groggia (Venezia), Universidad Milán, Festival Sonoimágenes (Buenos Aires), Festival Internacional "Visisones Sonoras" de Morelia y Festival Internacional de Chihuahua (México), E-Werk (Friburgo), Musica Viva 2008, MisoMusic, (Lisboa), y EmuFestival (Roma), Instituto Cervantes (Burdeos, Londres), LunaKrea, Auditorium Lattuada, Palazzina Liberty (Milán), Wealr09 Universidad de Fullerton(California), Elektrophonie/Nuit Bleue (Besançon),...entre otros. Durante el periodo 1997-2002, enseña en el conservatorio Jesús Guridi, en la clase de composición y laboratorio de electroacústica. Miembro del comité organizador de las Jornadas de Música Electroacústica de Vitoria-Gasteiz. Colaboradora del Festival Bernaola ,Festival Sinkro y en el ciclo de música contemporánea del Festival Quincena Musical. Su obra grabada aparece en varios discos colectivos y ha recibido encargos de INAEM, Gobierno Vasco, CDMC, Quincena Musical, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Krea-Expresión contemporánea. Gerenabarrena ha sido residente del Laboratorio LEC (Lisboa) y durante el invierno del 2010 será de USF/Verfet (Bergen, Noruega). Actualmente, combina la creación con la enseñanza de Armonía y Contrapunto en MUSIKENE.


Autor: José Manuel Berenguer. (Barcelona, 1955)
Título:"On Nothing"
Fecha composición: 2003
Duración: 13:28
Estado: Estrenada en México

Comentario y biografía

Existen ciertas aproximaciones que pueden darnos una idea del vacío. El 15 de febrero de 2003, más de cinco millones de personas se manifestaron contra una guerra que, con el soporte de algunos pequeños socios, ciertos individuos planeaban declarar a Iraq. En Barcelona, durante los meses de febrero y marzo de 2003, todos los miércoles a las 10 de la noche, de la misma forma que los chilenos en tiempos de la dictadura de Pinochet, la gente abría sus ventanas o salía a la calle para aporrear cacerolas y otros útiles de cocina.
Espectáculo notable, la Orquestra del Caos lo grabó y publicó en CD. Los sonidos llenaban el espacio acústico de forma muy distribuída. Una multiplicidad de fuentes sonoras destacadas se presentaba a la escucha, de una pared a otra, de un lado al otro de una ciudad en la que el aire sonaba y resonaba. Era el medio de conducción de un mensaje claro y preciso compartido por todos. Se trataba de un sentimiento de comunidad y de contestación que no habíamos experimentado desde los tiempos obscuros de la Dictadura Franquista.
Quizá nos había abandonado durante demasiado tiempo, porque muy pronto, la lucha popular contra este caso flagrante de terrorismo de estado se desvaneció casi completamente y, tal vez debido al hecho de que, al fin y al cabo, lo que más influencia tiene sobre nuestras decisiones y nuestras acciones es un fantasma habitante del futuro incierto, a saber, la falsa, esencialmente contradictoria e imposible estabilidad económica, fuimos todos devorados por la insolidaridad, auténtico monstruo del presente real. La prueba : los dirigentes que habían colaborado en la monstruosidad se mantuvieron impasibles en sus puestos durante mucho tiempo. ¿Por qué Bush, que mintió al Congreso de los Estados Unidos, no fue encausado en un empeachment? ¿Por qué Blair pareció tan seguro de sí mismo hasta hace bien poco?. ¿Por qué el PP de Aznar, que mintió en las Cortes a su pueblo, mantuvo el tipo en las elecciones municipales de 2003?
Será porque quizá la fiesta de las cacerolas no sea otra cosa que una representación de la nada. ¿Qué queda, si no, de una maravilla tal de comunicación humana, de diseminación masiva de la información? Para mi, nada más que una grabación de la que tomé unas nadas de algunos milisegundos con el fin de granular y así construir una pieza programática que empieza pletórica, dinámica, la tonalidad compleja y la tímbrica luminosa, densa, unitaria, segura de la victoria y termina en el polo contrario, es decir, en la derrota asumida, la estabilidad tonal y la conflictividad tímbrica, la fragmentación y la disolución, la tristeza.
Esta obra fue compuesta, gracias a un encargo encargo del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges.

José Manuel Berenguer (Barcelona, 1955). Es Director la Orquestra del Caos, con sede en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Director del Festival Msica13, organizado por Nau Côclea, Camallera. Consultor de Sonido en sistemas multimedia en en el GMMD-Universitat Oberta de Cataluña y profesor de Sonido Digital en ESDI-Universitat Ramon Llull, también colabora con otras universidades e instituciones de investigación artística como Metrónom, MECAD, IUA-Universidad Pompeu Fabra, Universidad Politécnica de Cataluña, Universidad Autónoma de Barcelona y Elisava. Artista inter-media, fundador de Côclea con Clara Garí, y también de la Orquestra del Caos, colaborador del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges (Francia), fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de sonido y música del CIEJ de la Fundació la Caixa de Pensions, así como profesor de Música Electroacústica en el Conservatorio de Bourges. Ex-Presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España, actualmente es Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, miembro de la Academie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges y de la Academia del Consejo Nacional de la Música del CIM/UNESCO.

Su obra musical, editada en Música Secreta, Hyades Arts, Chrysope Electronique, Côclea, ha sido objeto de encargos y distinciones de instituciones como los Internationale Ferienkurse de Darmstadt (Alemania), Gaudemus Foundation (Holanda), Prix de Musique Electroacoustique de Bourges (Francia), Concorso di Musica Elettronica de la Fondazione Russolo-Pratella (Varse, Italia), Tribuna Internacional de Msica Electroacústica del CIM/UNESCO, Centro para la Difusión de la Música Contemporánea. INAEM. Ministeri de Cultura, Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges, RNE Radio Clásica, Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca, Festival de musiques contemporanies de Barcelona, entre otras. En los últimos diez años, con Clara Garí, además de los espectáculos intermediáticos presentados por Côclea, ha creado y producido instalaciones interactivas -Metronoma o Policrnic/Politpic, con Côclea, i El Pati respira i canta, con la Orquestra del Caos, son algunos ejemplos- y diversos vídeos, como Aigua, Augia, Augen o Mancha : Linde, Tajo. Este último obtuvo el Premio de Vídeo de Castilla-La Mancha. Entre las numerosas colaboraciones con otros autores, cabe mencionar la realización de la banda sonora del vídeo de Clara Garí, La Muda de la Serpiente y de vídeos de Joan Pueyo, como María Muñoz, Soc Jo, L'immortal, etc ...

En los últimos años, su trabajo se ha orientado a la instalación y, pese a sus dudas acerca de la idoneidad de esos términos, al tiempo real y la interactividad. Las temáticas desarrolladas incluyen cuestiones relacionadas con la filosofa y la historia de la ciencia, los límites del lenguaje, la ética, la vida y la inteligencia artificial, la robótica, el metabolismo de la información, as como los limites mismos de la comprensión y la percepción humanas del mundo. Sus trabajos más recientes en este terreno incluyen Silenci, Transfer, la Casa de la Pólvora, Mega kai Mikron, Minf y On nothing. Actualmente trabaja en lambda/itter, con la flautista Jane Rigler, una performance audiovisual que toma las ideas de flujo y turbulencia para reflexionar acerca del gesto musical, Desde dentro, un concierto para microscopio, guitarra eléctrica, sonido e imágenes de generación electrónicos, y Expanded Piano, un concierto a dúo con el pianista Agustí Fernández, para piano procesado por dispositivos electrónicos. Luci, su instalación más reciente, que explora los comportamientos complejos emergentes de sumas de elementos simples, ganó en Febrero de 2008 el Premio ARCO-Beep de Arte Electrónico




Autor: Lluis Callejo. (Villafranca del Penedés, 1930-1987)
Título:"Estructuras 6502"
Fecha composición: 1982
Duración: 7:28
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

La primera obra realizada en el Laboratorio Phonos utilizando un ordenador como generador de sonido. Lluis Callejo con la ayuda de dos estudiantes de la facultad de Ingeniería de Telecomunicaciones de la Universidad Politécnica de Barcelona, de la que era profesor, programo un microprocesador Rockwell AIM 65 de tal forma que creara notas que pudieran ser captadas vía MIDI por un DX 7. Es decir el ordenador generaba las notas, mejor dicho las frecuencias y sus duraciones, y el sintetizador definía el timbre. En esta obra se programaron figuras geométricas del tipo hipérbola y parábola para crear los sonidos sucesivos en forma de glissandos calculados.

Lluis Callejo (Villafranca del Penedés, 1930-1987).Completó estudios de ingeniería industrial en Barcelona, especializándose en electrónica. Fue autodidacta en el campo de la composición musical. Entre 1948 y 1955 su actividad musical se centró principalmente en la dirección de formaciones corales, dedicándose después a su actividad profesional, participando en proyectos como la instalación de la Central nuclear de Vandellós, Tarragona.
En 1968 entabló contacto en un concierto de música electroacústica con Josep Maria Mestres Quadreny y reanudó su interés por la actividad musical, decidiendo aplicar su conocimiento de ingeniería electrónica al campo de la producción de sonidos electrónicos. Mestres Quadreny se convirtió en su maestro en el campo de la música contemporánea y más en concreto en la música electroacústica. Ambos junto con Andrés Lewin-Richter fundaron en 1973 el Laboratorio de Música Electroacústica Phonos, en donde Callejo diseñó y construyó diversos instrumentos para la producción de sonido sintético (el primero de los cuales fue un sintetizador de sonidos aleatorios que fue denominado Stokos 4) y compuso varias obras para cinta magnética e instrumentos musicales.
Posteriormente fue profesor de Teoría de la Información y de Dinámica de Sistemas en la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), (Universitat Autónoma de Barcelona) y la Universidad Politécnica de Cataluña (UPC) y desde 1979, se dedicó en la Fundación Phonos a la investigación en generación digital de sonido y composición asistida por ordenador. Impartió cursos de informática musical desde 1982.
En 1974 participó en el Curso Internacional de Música Contemporánea de Darmstadt (Alemania) y en 1982 y 1984 en las conferencias internacionales de Música y Computación realizadas en Venecia (Italia) y París (Francia). Desde 1976 hasta 1986 presentó obras suyas en numerosos festivales de música.




Autor: Andrés Lewin-Richter (Miranda de Ebro, 1937)
Título:"On Freesound Water"
Fecha composición: 2006
Duración: 5:19
Estado: Estreno en México


Comentario y biografía


Con motivo de organizar el ICMC 2005 creamos en el Instituto Universitario del Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona la base de datos freesound.org utilizando Creative Commons con el fin de almacenar y distribuir sonidos a través de la web. Decidí utilizar muestras de "agua" de esta base e intenté crear una pieza con los sonidos disponibles en aquel entonces. El resultado es bien diferente en espíritu a obras tan famosas como "Dripsody" de Hugh LeCaine o "Water Music" de Toru Takemitsu. Es un homenaje a ambos.

Andrés Lewin-Richter (Miranda de Ebro, 1937). Fue secretario de Música Abierta, entre 1960 y 1962. Cursó hasta el doctorado la carrera de ingeniería industrial en la Universidad Politécnica de Cataluña (Universitat Politècnica de Catalunya), de Barcelona (España), ciudad en la que reside actualmente.
Consiguió una beca Fulbright que le permitió completar sus estudios en la Universidad de Columbia (Columbia University), en Nueva York (Estados Unidos de América) en donde estudió y trabajó entre 1962 y 1965, siendo asistente de Vladimir Ussachevsky, Mario Davidovsky y de Edgar Varèse en el Columbia Princeton Electronic Music Center, en la que fue profesor auxiliar y creó sus primeras composiciones electrónicas.
Simultaneó estas actividades con la de ingeniero de sonido del Alwin Nikolais Dance Company de Nueva York. En 1966 promovió la creación del Estudio de Música Electrónica del Conservatorio de Música de Ciudad de México.
En 1968 fundó en Estudio de Música Electrónica de Barcelona y fue director ejecutivo del Conjunt Català de Música Contemporània, entre 1968 y 1973. En 1974 fundó con Josep Maria Mestres Quadreny el Estudio de Música Electroacústica Phonos -que fue inicialmente instalado en su propia casa-, y es desde 1984 la Fundación Phonos. Lewin-Richter ha sido y es, alternativamente, su secretario y vicepresidente y su director ejecutivo.
Ha sido secretario y vicepresidente de la Asociación Catalana de Compositores (Associació Catalana de Compositors) durante los periodos 1976-1991 y 2000-2004 y ha sido director ejecutivo del Conjunt Catalá de Música Contemporánia, Desde el año 2003 es profesor de História de la Música Electroacústica en la Universidad Pompeu Fabra (Universitat Pompeu Fabra) (UPF) y en la Escuela Superior de Música de Cataluña (Escola Superior de Música de Catalunya) (ESMuC), ambas de Barcelona.
Es un compositor especializado, en mayor medida, en la música electroacústica, habiendo compuesto obras instrumentales con cinta y música para ballet, teatro, cine y vídeo. Lewin-Richter ha creado composiciones de música electroacústica en los estudios de música electrónica de la Universidad de Columbia (Nueva York), Fundación Phonos (Barcelona), Alea y CDMC (Madrid), GME (Cuenca), EMS (Estocolmo), Escuela Superior de Música (Hochschule für Musik in Basel) de Basilea (Suiza) y la Universidad de Aveiro (Portugal).



Autor: Llorenç Barber (Aielo de Malferit, 1948)
Título:" Manjar (voz y campanas)"
Fecha composición: 1993
Duración: 38:04
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía


Concierto íntimo, de cámara. Virtuosista sí, pero de degustación inmediata y fruitiva. hermano menor de aquel otro sonar de ciudades, o concierto con los campanarios y espadañas, que desde hace años constituyen ya el trabajo central de este músico campanero. Un campanear aquí de puertas para adentro que complementa su musicar amplios espacios ciudadanos.

Llorenç Barber (Compositor, instrumentista y musicólogo vive en Madrid desde 1972, donde de 1979 a 1984 dirige el Aula de Música de la Universidad Complutense. De 1987 a 1990 colabora con el programa "El Mirador" de Televisión Española. De 1990 a 1994 fue profesor del Instituto de Estética de Madrid y desde 1992 dirige "Paralelo Madrid", serie de conciertos que el "Círculo de Bellas Artes" dedica a las "otras" músicas, y desde 1998 organiza las "Nits d'Aielo i Art", un festival anual dedicado al arte experimental.
Desde 1980 practica la voz difónica, la improvisación, la campanología, la música plurifocal, la poesía fonética, los conciertos urbanos con campanas y la desmesura de los conciertos "de sol a sol".
Comparte y complementa su actividad musical creando y actuando junto a Fátima Miranda en grupos como "Flatus Vocis Trio" (el texto como música) o el "Taller de música mundana" (fundado en 1978; según Robert Ashley: "una de las más importantes experiencias de nueva música en Europa"). De sus conciertos a uno y otro lado del océano destacan el recital ofrecido en el "Musikverein" de Viena (octubre de 1990), "La Música para un tránsito cósmico" ofrecida en Oaxaca (México) coincidiendo con un eclipse solar total (julio 1991), o el concierto de clausura de los "Días mundiales de la Música" (festival de la SIMC, 1993).
En los últimos años y tras sonar más de 150 ciudades en Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Colombia, Cuba, Dinamarca, Eslovenia, Francia, Guatemala, Holanda, Italia, Inglaterra, México, Polonia y Portugal, sus paisajísticos conciertos ciudadanos se han enriquecido con la sonora inclusión de tambores, cañones, sirenas, buques, fuegos de artificio, así como de bandas de música distribuidas por el espacio. Es así como surge "Naumaquia", un concierto-combate en el que participaron 19 buques de la armada española, o el "Concierto de los sentidos", sinestésica composición espacial en la que tomaron parte unos 1.700 músicos.



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Autor: Diana Pérez Custodio (Algeciras, Cádiz, 1.970)
Título:Introducción (de la ópera "Taxi")
Fecha composición: 2003
Duración:15:55

Comentario y biografía


Taxi, estrenada en el año 2003, abrió mi Trilogía 1: Ópera Mixta, posteriormente completada con Fonía (2004) y Renacimiento (2007). En los tres casos me ocupé también de escribir los libretos. Concebida como una ópera-instalación por su director de escena, Claudio Zulián, Taxi cuenta con una extensa introducción exclusivamente pregrabada; durante la misma, el público va accediendo a la sala desde los camerinos. Antes de llegar a sus asientos los espectadores tienen que atravesar un largo túnel verde y traslúcido construido sobre el escenario, en el que se exponen objetos íntimos de mi propia vida tales como una radiografía de mi corazón. Mientras tanto, la música nos sitúa en los antecedentes oníricos del viaje interior que la protagonista (desdoblada físicamente en una cantante y una bailarina) va seguidamente a comenzar y que vertebrará el resto de la obra. Este introducción está construida exclusivamente mediante la manipulación de sonidos producidos por la voz humana. El texto dice así: He llegado hasta aquí volando.
Esquivando anémonas marchitas.
Esquivando las grietas del aire.
Esquivando titanes de plástico y espinas.
He querido llegar hasta aquí.
Volar,
coronada de escamas.
Mendigando.
Envuelta en manos resbaladizas.
No logré desprender de mi piel toda la alambrada.
¿Acaso el viento secará mis heridas?
Volar para sumergirme en tierra pura;
para drenar mis pozos ya secos.
Volar.


Diana Pérez Custodio (Algeciras, 1.970). Fue profesora Pianista Acompañante por oposición en el Conservatorio Superior de Música de Málaga desde el año 1.990 hasta el 2.000, donde además impartió durante tres años la asignatura de Acústica Musical y Organología, y coordinó durante cinco el Laboratorio de Música Electroacústica e Informática Musical. Ha trabajado como Profesora Asociada en el Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad de Málaga desde el año 2000 al 2004. En el terreno artístico, y tras un breve periodo de actividad concertística orientada a la música de cámara, se entrega de lleno a la composición poniendo especial interés en la voz humana, las nuevas tecnologías y la mezcla entre distintas artes.
Es Doctora en Comunicación Audiovisual. Posee los Títulos Superiores de Solfeo, Piano, Música de Cámara y Composición, así como el Elemental de Oboe. Amplió estudios en Barcelona con Gabriel Brncic (Composición y Música Electroacústica), Liliana Maffiotte (Piano) y Claudio Zulián (Análisis).
Como compositora, ha recibido encargos del CDMC, Radio Clásica, la Junta de Andalucía, la UIMP, el Parlamento Andaluz, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, además de numerosos grupos y solistas como Esperanza Abad, Jean Pierre Dupuy, Ensemble Neoars o el Grupo TEM. Sus obras han sido difundidas en diversos Ciclos y Festivales Internacionales, entre los que se encuentran el Festival Internacional des Musiques et Créations Electroniques de Bourges, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Española de Cádiz, el Festival Aujourd´hui Musiques de Perpignan, el Festival Música Viva de Portugal y el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Ha estrenado y publicado una trilogía de óperas experimentales: Taxi, Fonía y Renacimiento. Asimismo, se encuentra actualmente investigando en la utilización de la electrónica en vivo en espectáculos de gran formato como 12 piedras. Ritual o 4 ostinati amorosi.
Entre sus publicaciones, además de diversos capítulos de libro y artículos en revistas especializadas y varias partituras, se encuentra su tesis doctoral Comunicación y cultura, entre lo local y lo global: la obra de Paco de Lucía como caso de estudio (en formato CD-ROM) y el libro Paco de Lucía. La evolución del flamenco a través de sus rumbas. En relación a temas más afines a su labor compositiva, destacamos las siguientes publicaciones menores: Componer la voz; El tratamiento sonoro de la violencia en los informativos de televisión; El Empleo del leitmotiv en la banda sonora del Hércules de Disney; El territorio de la música impura; La voz y el text-sound. Actualmente ocupa la cátedra de Composición para Medios Audiovisuales en el Conservatorio Superior de Música de Málaga.

Autor: Reyes Oteo (Sevilla, 1982)
Título:" Rosa de los vientos"
Fecha composición: 2011
Duración: 13:30
Estado: Estreno absoluto

Comentario y biografía


Salterio y voz: Francisco José Martín-Jaime
Clarinete: Rafael Díaz
La propuesta sonora de la compositora sevillana Reyes Oteo, de título tan expresivo para las orillas atlánticas, es un ejercicio maduro y honesto de postmodernidad. Es remembranza elaborada en nuevo paisaje sonoro, es decir, imaginario e imaginado.
Dos hitos en la cultura hispánica le sirven de soporte y referente. Un material memoria que en el alambique de la creadora tienen una renovada lectura y significación. De un lado, la melodía –deliberadamente reconocible- de la Cantiga 353 perteneciente a la obra de Alfonso X el Sabio, Cantigas de Santa María: "Quem a Omagen da Virgen", en el sonido vibrátil y metálico del salterio, y de otro, la escenificación sonora de una tradición religiosa de matices populares muy diversos que tienen su culmen expresivo en Castilla y Andalucía (austeridad y barroquismo, respectivamente, como dos sustancias del alma de estas geografías). De Andalucía, en un reflejo de las secuencias de la narración pasionaria de la historia sacrificial por excelencia, provienen los elementos que la compositora nos ofrece con lenguaje propio: el "quejío" hondo y desgarrado de la voz que rompe en saeta, los toques del "llamador" (golpes secos, metal contra metal, que refieren el origen y una traslación a la naturaleza rota en la hora suprema), la "garganta" del clarinete que marca el paso y la atmósfera que lleva el bullicio de la calle, escenario a cielo abierto. Estos ricos planos sonoros interaccionan en el tratamiento electroacústico que nos ofrece con una tensión manejada acertadamente por la autora en plena "co-herencia". El ámbito referencial parece ahora movido en las direcciones de una Rosa de los Vientos: la letra de la Cantiga 353 "Quen a omagen da Virgen et de seu Fillo onrrar? d'eles sera muit'onrrado no seu ben, que non a par" se desliza al escenario procesional, medioevo y tiempos áureos traídos a nuestro tiempo con el lenguaje de nuestro tiempo.
Sorprende el resultado de este bucle sonoro. Lejos de excesos y abigarramientos, Reyes Oteo nos ofrece una composición limpia, honrada en los propósitos, etérea y evocadora, que nutriéndose en el espacio de la tradición cultural hispánica nos abre a otras rutas sonoras, direcciones que señala la Rosa de los Vientos de la creatividad contemporánea en la que la compositora muestra los mejores mimbres. Rosario F. Cartes

Reyes Oteo (Sevilla, 1982). Realiza estudios de música en el Conservatorio Francisco Guerrero de Sevilla, donde obtiene el Título de Profesor de Violín. Posteriormente se traslada a Málaga, logrando el Título Superior de Composición. Allí conduce su especialización hacia la música electroacústica y su interrelación con las demás disciplinas musicales y artísticas en general, y más concretamente en la investigación de la interactividad entre la corporeidad y el fenómeno sonoro.
Ha estrenado numerosas composiciones, tanto acústicas como electroacústicas. Destacan «Alumbra» (Monasterio de Veruela, Zaragoza); «Axolot (Festival Internacional de Música Contemporánea «Molina Actual», Murcia); «Fragmentos para dominar el silencio»; «Herrena»; «Soldado del cielo», estrenada en la Iglesia Abacial de Santa Clara de Moguer, y «Fin», estrenada en el V Ciclo de Música Contemporánea de Málaga.
Su dedicación a la música por ordenador despunta en «Tehom» (2003), espectáculo audiovisual electroacústico con puesta en escena por actores en vivo y proyección de vídeo simultánea, estrenada en el IV Ciclo de Música Contemporánea de Málaga en el ACIM. Sus composiciones electroacústicas han sido incluidas en DVDs, como «Abisal», en «Miniaturas 2» del TALMA, editado por la Junta de Andalucía, y «Canción nº 3 : Pudor», publicada bajo el sello de la AMEE y presentada en RNE Clásica), «La Oveja del Pie Azul», «Unda Maris Electronicae» (AMEE, 2010), y el Ministerio de Cultura, en conjunción con el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, editan el CD «Cuerdas en el Aire», con diversa música instrumental suya. Cabe destacar entre ellas también el audiovisual «Fuego» (2004) sobre el film de José Val del Omar «Fuego en Castilla». Al tiempo que realiza una intensa labor creativa, tanto en la composición musical (acústica y electroacústica) como en la investigación, desarrollo y construcción de sus propios instrumentos de música electrónica (luthier electrónica) para la performance electroacústica e instalaciones interactivas, lleva a cabo su labor docente como profesora de Taller de Música Contemporánea, Composición, Armonía y Armonía del Jazz y la música moderna en el Conservatorio Superior de Música "Rafael Orozco" de Córdoba.


Autor: Alex Martínez Figuerola. (Barcelona, 1957)
Título:"El bosque de las luces"
Fecha composición: 2008-2010
Duración: 8:59
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

"El bosque de las luces" es un viaje imaginario a los rastros del silencio donde los sonidos más frágiles velan círculos y líneas a la creciente luz pegajosa , hasta que sus rayos inciden en la presencia sonora.

Alex Martínez Figuerola (Barcelona, 1957). Licenciado en Estética , Ciencia y Tecnologia de las Artes por la Universidad de Paris y en Musica y Tecnologia por el Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges (Francia). Alumno de Roger Cochini, Gabriel Brncic, Luigi Nono, Horacio Vaggione y Jean-Claude Risset. Su obra ha sido interpretada en Europa, América y Japón. Ha recibido diversos encargos y premios internacionales, Ministère de la Culture de France, Ministerio de Cultura de España, Generalitat de Cataluña, Ajuntament de Barcelona, Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges, entre otros. Ha impartido cursos y conferencias sobre estética y composición electroacústica en distintas universidades del Estado Español y Francés. En la actualidad dirige el departamento de Natura Sonora del Museu de Ciències Naturals de Barcelona.


Autor: Anna Bofill. (Barcelona, 1944)
Título:"Punto y seguido"
Fecha composición: 1995
Duración:5:33
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

Es una obra de música informática realizada con recursos sencillos y con sonidos procedentes de un módulo multitímbrico controlado por un teclado con sensibilidad de pulsación. La obra es un ejercicio que se inscribe dentro de la concepción de la música como lenguaje provisto de forma y contenido o forma y materia, que quiere conseguir riqueza tímbrica y diferentes texturas sonoras mediante un juego de puntos de diferente grosor, definido por una construcción grafica previamente diseñada.

Anna Bofill (Barcelona, 1944). Compositora y arquitecta, estudió piano y teoría musical con Jordi Albareda de 1950 a 1959. Del 59 al 60 estudió Composición con Josep Cercós y Xavier Montsalvatge y del 68 al 72 con Josep Maria Mestres Quadreny, y al mismo tiempo estudió Teoría de la Probabilidad con el matemático Eduard Bonet.
Estudió Arquitectura en Barcelona donde en el año 1974 obtiene el Título de Doctor con una tesis sobre Generación geométrica de formas arquitectónicas y urbanas. Desde ese año y en varias ocasiones estudió Música electroacústica en el laboratorio Phonos de Barcelona, participando en cursos de Luis Callejo y Gabriel Brncic, y de Informática musical con Xavier Serra y Sergi Jordá. En 1982 participó en el Congreso de Nueva Música en Sitges con Luigi Nono, Mestres-Quadreny, Joan Guinjoan, Coriún Aharonián y Jesús Villarrojo, y en los cursos de Nono en la Fundación Miró. En 1985 asistió al curso de Iannis Xenakis en Paris, mientras hacía prácticas para una beca de la CIRIT en su Centro de Etudes de Mathémathique de Autómatas Musicales (CEMAMU). Del mismo Xenakis traduce 'Música / Arquitectura' en catalán. Su primera obra 'Esclat' (1971) para conjunto instrumental se estrenó en el XI Festival Internacional de Música de Barcelona y participó en el II Festival de Música de Vanguardia de San Sebastián (1974). Su Poema para pianoforte (1974) fue estrenado por Carlos Santos, que desde entonces lo incluyó en su repertorio de piano contemporáneo, al igual que el pianista francés Jean Pierre Dupuy, quien lo interpreta en el CD monográfico Alea arborea (2007). Ha escrito obras para instrumentos solistas, para voz, así como música de cámara y electroacústica.
Sus obras han sido programadas en varias ciudades españolas y capitales de otros países como Paris, Berlin, Londres, Roma, New York, Mexico, Santiago de Chile, Buenos Aires, entre otras, en las programaciones de festivales y congresos de música contemporánea .
Ha escrito y trabajado tanto en música como en Arquitectura y Urbanismo, actividad que ha desarrollado primero en el Taller de Arquitectura Bofill (1965/82), y posterirment su estudio propio. También ha realizado escenografías y música para teatro (1983/84), para obras montadas por Ricard Salvat como 'Urfaust' de Goethe y 'Hijos de un dios menor' de Marc Medoff, y otra música incidental. También ha escrito varias piezas y ha coordinado la música para los montajes de 'Cartografías del deseo', tres ciclos de conferencias dramatizadas según una idea de M ª Mercé Marçal, el Pen Club Catalá y Araceli Bruch. Ha colaborado con la directora Magda Puyo y el escenógrafo Pepe Durán a la realización del montaje poético-musical 'Nada te será después', un homenaje a María Mercé Marçal. Se ha especializado en el conocimiento y la diffusió de las obras de mujeres compositoras, con artículos y conferencias. En 2009 recibe la Medalla al Trabajo President Maciá de la Generalitat de Cataluña. Ha editado en Clivis, Dinsic, La má de guido, Música Studio y Periferia (on-line sheet music).




Autor: Eduard Resina. (Barcelona, 1961)
Título:"Read My LISP"
Fecha composición: 1991
Duración:5:56
Estado: Estreno en México

Comentario y biografía

Compuesta con el ordenador NeXT en la Universidad de Washington, USA, fue la primera obra de autor español utilizando Common Lisp Music, heredero del Music V. Esta obra está concebida de tal forma que se podría transcribir para orquesta. Se inicia con un tutti orquestal y una serie de instrumentos generados por síntesis FM, la segunda sección es rítmica y percusiva previamente escrita en papel pautado. Tras una pequeña transición en la que el elemento percusivo va desapareciendo progresivamente surgen unos timbres tenues y rotos (como suaves multifónicos mezclados con cuerdas sul ponticello) que conducen la obra hacia un desvanecimiento pausado, un tanto agónico y etéreo.

Anna Bofill Eduard Resina (Barcelona, 1961). Doctor en Artes Musicales, Universidad de Washington, 1994. Máster en Música, U.C.Berkeley, 1989. Título Superior de Guitarra, Conservatorio del Liceo, 1986. Ha estudiado con John Rahn, Richard Karpen, Andrew Imbrie y Joan Albert Amargós entre otros. Jefe del departamento de Teoría y Composición y profesor de composición, electroacústica y análisis en la Escuela Superior de Música de Catalunya desde 2001. Profesor Asociado al Departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra. Profesor de Técnicas de Composición con Ordenadores en el Instituto del Audiovisual de la UPF.
Intérprete de guitarra flamenca. Ha participado en seminarios, coloquios y congresos, y ha publicado diversos trabajos y artículos sobre estética, educación y música contemporánea. Ha desarrollado aplicaciones informáticas de composición y generación de sonido. Su producción incluye obras electroacústicas, mixtas y para diversas agrupaciones instrumentales.




Autor:Gabriel Brncic-Isaza (Santiago de Chile, 1942). Reside en Barcelona desde 1974
Título: "El túnel" (a Jorge Sábato). Premio Qwartz Electronic Music Award 2007
Fecha composición: 1969
Duración:13:00
Estado: Estreno en México

Comentario

Como sucede tantas veces, la literatura crea en los músicos un pozo de ambientes sonoros que quedan en suspenso en algún rincón de la conciencia.
A veces al trabajar en el laboratorio de sonido, uno –solo en una ciega y sorda búsqueda– acepta ciertos sonidos y ciertos encadenamientos. En muchas ocasiones éstos se ajustan a esas audiciones internas acuñadas tiempo atrás. En este caso –años después de olvidar la presente composición, aparentemente desplazada por otras más importantes para mi– las lecturas de Ernesto Sábato, que vienen de la década de los sesenta, se conectaron con el título elegido. El túnel.
Haya o no representación, como en la antigua música programática, es también un estado psicológico el que dicta los nombres de las músicas.
El túnel fue compuesta en el laboratorio de música electrónica del CLAEM, Instituto Di Tella, en Buenos Aires, en 1970. (A finales de noviembre de 1974, Ernesto Sábato nos brindaba toda su solidaridad en los momentos en que comenzaba para nosotros el túnel del destierro y curiosamente el destino que nos proponía era México, país de asilo y amistad, del cual el era Cónsul Honorario).
Comentario del autor con ocasión del estreno absoluto en 1997 de El túnel en el festival Punto de Encuentro de la Asociación de Música Electroacústica de España:
El túnel es una obra unitaria con una introducción y un cierre semejantes y cuya elaboración fundamental es la de los registros y el espacio. Un tema o sucesión de timbres-altura es transpuesto en todas las direcciones. Se acompaña mediante una red de pulsaciones que cambian de espectro continuamente mediante un banco de filtros resonantes. No hay más elementos. Y, en la escucha de mi crítica actual revivo esa cualidad lineal, sintética, que pretende mostrar los nuevos sonidos y sus referentes fuera de la tradición de la música instrumental. Cualidad a la cual yo aspiraba en aquellos años. Una música concreta creada con sonido electrónico.




^ Sube